En 2003 llegaba a nuestras pantallas 21 gramos, de la mano del director mejicano, Alejandro González Iñárritu, que, pese a no tener una extensa filmografía (su trayectoria comienza en 1999 con Amores Perros, hasta la más reciente Babel en 2006)ha conseguido crear un verdadero cine de autor, que toma como base el empleo del flashback  y del forward como principales recursos narrativos.

21 gramos plantea la historia de 3 familias destrozadas, la enfermedad, la religiosidad llevada al fanatismo, y los problemas con la drogadicción, serán los tres factores que motiven ese desamparo que cada cual siente respectivamente.

Paul es un profesor cuya vida se debate entre la vida o la muerte por una grave enfermedad de corazón, por si esto no fuera suficiente, su mujer, termina de amargarle la vida increpándole día a día para tener un hijo con él antes de que su fatal muerte se termine produciendo; La vida de Cristina ha mejorado notablemente tras haber superado sus problemas con las drogas, gracias al apoyo que le supone en la actualidad su marido y su dos hijas; Jack Jordan consigue salir de la cárcel y superar sus problemas con el alcohol, gracias a su creencia fanática en Dios y la religión, tratando de enfocar su camino en la vida hacia algo mejor, y autoconvenciéndose a sí mismo de que el camino del fanatismo será el correcto para la educación de su familia.  

Las historias particulares de estos tres desconocidos se unirán en una sola tras producirse un brutal accidente que acaba con la vida de las hijas y el marido de Cristina.

Como ya he comentado, la historia se narra de manera desordenada, tal y como se hizo en Amores Perros, por ejemplo  y se volverá a repetir en Babel, cierto es que el espectador puede encontrarse algo perdido en un principio entre tanto caos temporal, pero siempre llegará al momento satisfactorio en que todas las piezas encajan cual puzzle perfecto. Es esa lección de cinematografía la que hace memorable el trabajo del director y su calidad a la hora de trabajar para crear obras maestras de la talla de 21 Gramos.

Cabe destacar, no sólo el importantísimo trabajo que hace Iñárritu en esta película, sino también el haberse rodeado de grandes actores como son Sean Penn, Naomi Watts o Benicio del Toro, que transmiten a su personajes (Paul, Cristina y Jack)una gran carga emocional y dramática que les lleva a conseguir esa ansiada empatía con el espectador, cada uno desde su papel lanza un lazo que ata emocionalmente a la persona que ve en ese momento la película. No existen ni buenos, ni malos, huimos de esas concepciones arquetípicas, cada personaje se comprende por si mismo y se aprende a querer y valorar como parte única de la historia.

21 Gramos, una historia que cautivará desde el primer plano que aparece en pantalla.

Patricia Antón Plata

Últimamente está en auge el cine documental. Son varias ya las películas de este género cinematográfico que ahora se hacen un hueco en cartelera, con mayor o menor aceptación, aunque prefiero no tocar el tema de gustos cinematográficos...  Joe Strummer "Vida y muerte..." pertenece precisamente  a esta tipología, narrada en clave documental, cuenta la biografía al completo del cantante y popularmente conocido por ser el líder de la banda "The Clash",Joe Strummer.

Durante dos horas aproximadamente aquellos fanáticos del punk más puro, deleitarán sus paladares con imágenes inéditas del artista y las distintas bandas por las que pasó, que  marcaron un antes y un después de "The Clash".

La banda sonora, por supuesto, no tiene precio. Ya sea de forma diegética o extradiegética, durante todo el film sonarán los grandes temas que dieron el salto a la fama al grupo.

He de reconocer que yo particularmente como seguidora de The Clash he suspirado de emoción cuando desde mi butaca de la catorceava fila, comencé a escuchar los primeros acordes de la mítica canción "London burning".

A modo de breve sinopsis simplemente indicar que la estructura argumental de la película sigue una línea sencilla y perfectamente estructurada. Cuenta desde el nacimiento del artista hasta su lamentable desaparición como consecuencia de una afección cardiaca. La historia toca los puntos clave de la vida del artista, su cruel infancia en un internado, el amargo suicidio de su hermano, sus tiempos de joven revolucionario, el auge y su declive como cantante; haciendo especial hincapié en su principal banda, "The Clash", y como tocaron el cielo para después caer en picado hacia la más profunda desidia que llevó a Strummer a alejarse en cierto modo de su afición musical.

Imágenes de actuaciones en conciertos, back-stages, giras y juergas varias, que son comentadas por personas que en cierto momento coincidieron en la vida del incansable Joe Strummer. Caras conocidas que se reúnen alrededor de una hoguera  para hablar de su experiencia conjunta con el cantante como John Cussack, Jonny Deep, Jim Jarmusch, Bono, o el líder de los Red Hot Chili Pepers.

Un alegato al sentir joven y rebelde, al verdadero espíritu del punk-rock, en fin... la diversión vista desde su más pura concepción.

Patricia Antón Plata

En el post anterior, comenté que una de las principales influencias de Rohmer fue el cine de su contemporáneo, Jean Luc Godard, para mí, el representante sin igual de todo lo que ha simbolizado la nouvelle vague francesa. Hoy y sin más dilación me dispongo a escribir sobre este cineasta y una de sus obras que más me impactó titulada "Weekend"

Corría el 1968 cuando esta obra vio por primera vez la luz. Bajo las manos del afamado director francés, la obra ponía el broche de oro a una etapa que había revolucionado el lenguaje cinematográfico y en definitiva la forma de hacer cine. Me atrevería a ir mucho más lejos y admitir que este filme cumple con todos los requisitos claves para poder representar a la nueva ola francesa, historias de la vida cotidiana, gente común, poco tratamiento de la imagen y el montaje, escenarios naturales y todo ello yuxtapuesto de tal forma que podríamos imaginarnos estar frente a un verdadero collage de imágenes y palabras.

La trama es sencilla, un matrimonio,Roland y Corinne, se deciden a pasar un fin de semana en el campo, lejos del agobio de la ciudad. Su buena condición burguesa se hace notar desde el principio, ambos parten atabiados con las mejores galas y por supuesto, con la nauseabunda prepotencia de tal clase social. La aventura comenzará cuando al volante de su vehículo empiezan a acontecer situaciones que en cuanto a la temática son más propias si cabe, del cine surrealista. Emblemático es el apabullante embotellamiento de vehículos en el que se ven envueltos, que da lugar  a uno de los travellings más largos de la historia del cine. Cuando los ánimos de los protagonistas, están ya bastante exasperados es cuando la trama se hace más enrevesada y violenta. Por el camino se toparán con múltiples accidentes de coches, asesinatos  a sangre fría y un grupo de extraños revolucionarios antropófagos.

Godard empleará todas estas tramas para hacerse eco de la crisis que se está viviendo en Francia en ese período. Durante toda la película se plantean reminiscencias hacia los postulados existencialistas franceses de los años 60, donde se ponen en entredicho temas de ámbito social como la violencia, el consumismo y la hipocresía de la sociedad en cuanto a la lucha de clases.

"Weekend" es una película que sin pecar de panfletista, se hace entretenida y a la vez sumamente interesante. Donde la imaginación del cineasta dejará perplejo con cada golpe de efecto al espectador.

Patricia Antón Plata

El próximo septiembre se cumple un año desde el estreno de este filme, "El romance de Astrea y Celadón" que sin duda podría catalogarse como una de las obras más logradas de Eric Rohmer, uno de los cineastas más versátiles del cine contemporáneo. Rohmer adapta, aportado su genial visión,una obra francesa del siglo VIII, "L'Astrée de Honoré d'Urfé" como es imaginable, actualmente esta obra se encuentra ya descatalogada. La obra consigue inspirar al cineasta para recrear el bucólico paisaje pastoril de la época. La danza, la música,la pintura y un reparto de lujo, hacen el resto.

Rohmer refleja en su obra todas las influencias que sobre él tuvo la Nouvelle Vague francesa, así como su aportación como crítico cinematográfico a la revista de cine por excelencia "Cahiers du cinema" y por supuesto el hecho de que desde sus comienzos se codeara con cineastas de la talla de Godard, por ejemplo.

En Romance de Astrea y Celadon bebe de esa simplicidad narrativa que Rohmer transmite a la hora de emplear el lenguaje audiovisual, pero también cabe destacar la magnitud intelectual que confiere el trasfondo social de la película. 

La película se enmarca en ese paisaje pastoril, que parece sacado de un cuento de hadas, pastos verdes y amplias praderas, bajo cielos completamente azules.

Un romance, propio de una tragicomedia shakesperiana, da comienzo a la narración. Celadon, joven pastor, esta prendado por la bella Astrea, otra pastora de la aldea. Lamentablemente, durante una fiesta, Astrea sorprende a Celadon mientras otra muchacha le roba un beso. El corazón de la chica se rompe en pedazos y decepcionada odia a Celadon, jurando no volver jamás a sus brazos. Celadon persigue a la chica, pero tropieza y cae inconsciente a un río, por cuya corriente es alejado lejos de su aldea natal. Astrea, por otro lado, piensa que Celadon ha muerto y llora desconsolada culpándose así misma por la desaparición de su enamorado. El río conduce a Celadon a los brazos de tres agraciadas ninfas que le cuidan hasta su recuperación, sin embargo, una de ellas, se enamora de Celadon y le impide su regreso a casa. Es así como, para poder huir y regresar a su hogar Celadon huye travestido de mujer para así pasar desapercibido y poder acercarse a Astrea, sin que esta rompa su juramento de no volver jamás con él.

Todas las piezas encajan dentro de este puzle de amor  y desamor. Ambos personajes, a través de sus relaciones, ponen de manifiesto temas que están hoy día de actualidad, como por ejemplo es la homosexualidad, evidenciada cuando Celadon decide disfrazarse de mujer, dejándonos entrever la opinión del realizador, que lejos ya de visiones maniqueistas de la sociedad se lanza de lleno a una semi autocrítica de la misma.

Y para concluir sólo queda hacer feroz hincapié en la imagen, plagada de fastuosidad boticceliana, que con cada plano nos saben transmitir el pudor virginal de la poesía lírica que dan esos paisajes de ensueño y la musicalidad del viento y los instrumentos de cuerda y aire tocados, que llegan a nuestros oídos a través del saber hacer de los propios protagonistas.

En fin... un cuento de hadas ideado para sorprender a mentes adultas.

Patricia Antón Plata

Las salas españolas han estrenado recientemente esta aclamada película de origen estadounidense, llegada de la mano del igualmente popular, Marc Forster. El que fuera director de Monster´s ball u Descubriendo nunca jamás, nos sorprende ahora con un largometraje de amplio trasfondo social.

La historia acontece bajo los inhóspitos cielos de Afganistán. Un país sumido en una ardua crisis política, que sin embargo no impedirá apagar la feliz e inocente vida de dos niños, Amir y Hassan. Dos mundos distintos unidos bajo el mismo techo. La familia de Amir, culta y de buena posición social, contrasta con la del otro protagonista, Hassan, cuya familia sirve a la del anterior. Sin embargo, la posición social que ambos ocupan no afecta para que los niños desarrollen una férrea amistad unida por una gran afición a las cometas.

Será durante una competición de vuelo de cometas cuando Hassam se dé de bruces contra la que lamentablemente es la verdadera realidad;bajo los ojos temerosos de su mejor amigo, Hassam será violado y apaleado por tres jóvenes integrantes de un frente rebelde, el sentimiento de culpabilidad y repulsión de Amir hacia sí mismo por no haber acudido en ayuda de su compañero hace que crezca dentro de él un odio inexplicable hacia Hassam, lo cual hace que su amistad se rompa.

Las tropas soviéticas invaden el país, Amir y su padre han de huir hacia América, dejándolo todo atrás, en pos de un nuevo futuro. Los años pasan, y el destino devuelve a Amir a Afganistán, ahora sometido bajo poder de los Talibanes. Es el momento de remover el pasado y enfrentarse con aquello de lo que un día huyó.

Un tema que a nivel argumental el director sabe tratar sin enmascarar con excesivos toques de sentimentaloidismo, sin embargo, que funciona perfectamente como contexto para esta historia de fraternidad y amistad, que convierte además a Afganitán en un verdadero paisaje bucólico. Desde mi punto de vista, el director ha sabido mantener la tensión a lo largo del transcurso de la historia, sin dejar decaer el interés en ningún momento. Hay tiempo para las risas, y tiempos para las lágrimas, e igualmente cabe destacar que en ni un caso ni en otro son gratuitas. Desde mi más modesta opinión, recomiendo a todo aquel que me lea, no deje de ver esta película. Lejos del tratamiento  maniqueista al que estamos acostumbrados a ver de los países musulmanes, Cometas en el Cielo, premia ante todo la inocencia de una amistad que supera las diferencias raciales e ideológicas.

Patricia Antón Plata